крадущийся котиколюб
20.09.2011 в 07:09
Пишет Хозяин медной горы:Модерн
Искусство этого стиля существовало с середины XIX столетия по начало Первой Мировой. Время Арт Нуво текло параллельно Викторианской, а в последствии, и Эдвардианской эпохам. Но текло оно быстрее, след оставило, может быть, даже более заметный, а уж с точки зрения ювелирного искусства - явилось прообразом всех самых прогрессивных современных течений.
очень много модерна!
Датой рождения стиля арт нуво принято считать 1880 год. В переводе с французского Art Nouveau – новое искусство. Сам же термин происходит от названия парижского магазина-музея “Maison Bing, L’Art Nouveau” (владелец Самуэль Бинг).
Следует отметить, что возникший в Париже стиль Art Nouveau быстро распространился по всей Европе. Но в этом случае (т.е. применительно ко всем странам) мы уже говорим о стиле модерн.
«Модерн», стиль «модерн» (франц. moderne — новейший, современный), одно из названий стилевого направления в европейском и американском искусстве конца 19 — начала 20 вв.
В Бельгии, Великобритании и США оно известно как «новое искусство» (Art Nouveau), в Германии — «югендстиль» (Jugendstil), в Австрии — «стиль Сецессиона» (Sezessionstil), в Италии — «стиль Либерти» («stile Liberty»), в Испании — «модернизм» (modernismo).
Новый стиль стал последним воплощением идеалов романтизма в художественном творчестве. Модерн, проникший почти во все сферы искусства в последнее десятилетие ХIХ в., очень быстро распространился по всей Европе и, перемахнув через океан, нашел приверженцев в Соединенных Штатах.
Модерн возник в условиях кризиса буржуазной культуры как один из видов неоромантического протеста против антиэстетичности буржуазного образа жизни, как реакция на господство позитивизма и прагматизма. Эстетика Модерна развивала идеи символизма и эстетизма, «философии жизни» Ф. Ницше.
Модерн, по мысли ряда его теоретиков (бельгиец Х. К. ван де Велде, опиравшийся на социалистические утопии У. Морриса, должен был стать стилем жизни нового, формирующегося под его воздействием общества, создать вокруг человека цельную эстетически насыщенную пространственную и предметную среду, выразить духовное содержание эпохи с помощью синтеза искусств, новых, нетрадиционных форм и приёмов, современных материалов и конструкций.
Наиболее последовательно Модерн осуществил свои принципы в узкой сфере создания богатых индивидуальных жилищ. Но в духе Модерн, стремившегося стать универсальным стилем своего времени, строились и многочисленные деловые, промышленные и торговые здания, вокзалы, театры, мосты, доходные дома.
Модерн пытался преодолеть характерное для буржуазной культуры 19 в. противоречие между художественными и утилитарным началами, придать эстетический смысл новым функциям и конструктивным системам, приобщить к искусству все сферы жизни и сделать человека частицей художественного целого. Стремление изменить искусством мир в рамках капиталистического общества было глубоко утопичным. Практически же Модерн явился первым относительно цельным стилем художественного оформления различных сфер буржуазного быта.
Основным средством выражения в стиле Модерн является орнамент, который не только украшает произведение, но и формирует его композиционную структуру. В интерьерах бельгийских архитекторов изящные линейные плетения, подвижные растительные узоры рассыпаны по стенам, полу и потолку, концентрируются в местах их сопряжения, объединяют архитектурные плоскости, активизируют пространство. Бесконечно текущие, то плавно, то взволнованно извивающиеся, чувственно-сочные линии декора несут духовно-эмоциональный и символический смысл, сочетая изобразительное с отвлечённым, живое с неживым, одухотворённое с вещным.
Стиль Арт Нуво явился художественным протестом против устоявшихся правил игры и способов художественного осмысления таковых. Ни социальное самосознание викторианцев, не гедонизм эдвардианцев не казались адептам Арт Нуво сколь-нибудь эстетичными. Любые проявления классицизма, в любом случае, апеллировали к тем или иным канонам, для художника Арт Нуво единственной инстанцией для апелляций явилась душа человека, его эмоции и желания, подчас скрытые, и весьма неоднозначные
Понятно, что такое искусство не могло стать мэйнстримом в обществе, где определяющей моральной доминантой была чопорная сдержанность, а значит, на первых порах, художникам Арт Нуво не светила работа с дорогим материалом и запредельно богатыми заказчиками. Украшения этого стиля не претендовали на титул статусных аксессуаров, а были призваны служить выражением чувственной натуры носителя или дарителя. Соответственно, дорогие камни первого ряда были ювелирам, скорее всего, недоступны, но, главное, не нужны. Формализм бриллиантов, их монохромная прямота с точки зрения Арт Нуво проигрывала богатству красок опалов, лунного камня, халцедона, турмалина, аметиста, аквамарина, топаза, зеленых гранатов. Бриллианты использовались, но лишь в качестве декоративного элемента.
Появлялись новые, возрождались старые техники нанесения эмалей:
"Клуазоне" (Cloisonne - перегородчатая эмаль, ячейки заполнялись эмалями разного цвета)
"Шамплеве" (Champleve - небольшие углубления в метале заполняли эмалью)
"Плик-а-жур" (Plique-A-Jour - золотые полости заполняли прозрачной эмалью для достижения эффекта подкрашенного стекла)
"Эмаль гильоше" (Guillocher - эмаль наносили на специально гравированную поверхность)
"Пат-де-верр" (Pate-De-Verre - расплавленное матовое стекло заливали в сложные формы), витражная эмаль и многие другие.
Ювелиры стремились к работе с насыщенными яркими цветами, подражая художникам. Вспомните картины М. А. Врубеля и П. Гогена: очень сочные цвета анилиновых оттенков становятся значимы не менее чем выписанные ими образы. Идея украшения стала ценится больше чем материал, из которого оно изготовлено. Можно говорить, что эпоха Арт Нуво - начало эры Дизайна - времени, когда идея дороже золота и авторское украшение ценится в разы, а то и на порядки дороже серийного изделия.
Главным героем, а вернее, героиней нового направления в изобразительном искусстве стала женщина. Длинные, волнообразно ниспадающие волосы, плавные и мягкие линии женского тела особенно хорошо отвечали стилистическим пристрастиям модерна. На полотнах художников нового направления женщина появляется гораздо чаще, чем мужчина. Да и весь характер стиля – женский: в нем ясно чувствуется желание нравиться. Здесь стремление к внешней красивости дополняется склонностью к самолюбованию и изрядной долей кокетства. Не случайно одно из многочисленных прозвищ модерна – стиль женщин и цветов.
Эту женственность искусства конца века, пожалуй, лучше других сумел выразить в своем творчестве чех Альфонс Муха. Родился он в 1860 г. в моравском городке Иванчице и на исходе столетия добился громкой славы в столице мирового искусства Париже. Во Франции художника называли Мюша. Но прежде чем добиться триумфа и позволить себе превратить мастерскую в музей драгоценных вещей и раритетов, ему пришлось испытать все тяготы и невзгоды жизни безвестных, непризнанных художников, которых в Париже всегда было в избытке.
Возможность стать профессиональным художником появилась у Альфонса Мухи только в 25 лет, хотя рисовать он начал чуть ли не в младенчестве, притом левой рукой. Учился он сначала в Мюнхене, а затем в Париже. Здесь ему не сразу, но повезло – он устроился работать в театр божественной, как ее тогда величали, Сары Бернар. С 1894 по 1901 гг. Альфонс Муха писал для спектаклей ее театра декорации и плакаты.
Первой работой, моментально прославившей имя чешского художника, была афиша к спектаклю театра Сары Бернар «Жисмонда», появившаяся утром 1 января 1895 г. на плакатных щитах Парижа. Уже в ней вполне определяется характер многих последующих плакатов, календарей и декоративных панно Альфонса Мухи.
Вслед за «Жисмондой» появились другие, не менее удачные плакаты, они время от времени переиздавались, а потом были выпущены в виде почтовых открыток. Заказы сыпались на художника как из рога изобилия.
Альфонс Муха не был ювелиром. Все началось с тех же афиш Сары Бернар, где часто присутствовали необычные ювелирные украшения. Для их создания Муха изучал историю и фольклор. И лишь потом Муха начал разрабатывать эскизы украшений на заказ. Эта необычная ювелирка и была выполнена в материале известным парижским ювелиром Жоржем Фуке.
Сотрудничество между художником и ювелиром началось в 1898 году или около того. На Всемирной выставке 1900 года в Париже Фуке показал ювелирную коллекцию Мухи, наделавшую много шума. Действительно, коллекция состояла из фантастических театральных предметов, которые были составлены из большого числа компонентов и соединяли множество техник и материалов.
Как и украшения, изображенные на графических работах Мухи, которые теперь превратились в модели для реальных вещей, воспроизведенные предметы в большинстве своем были необыкновенно восточными и византийскими одновременно. В своей утонченной роскоши эти сокровища соперничали с современным живописным ювелирным искусством, вдохновленным символизмом, таким, как искусство Рене Лалика. С тем, чтобы привлечь более широкую клиентуру, в последующих произведениях Муха отбросил орнаментальную избыточность в пользу большей строгости.
Самое известное украшение, созданное Фуке по эскизам Мухи - это золотой браслет, получивший в Европе название «роза руки». Украшение было изготовлено в 1899 году для Сары Бернар, игравшей роль Клеопатры. Невиданный ранее в Европе браслет свернувшейся кольцом змеей обвивал предплечье, жало переходило в кольцо с помощью тонкой цепочки. Впервые его изображение появилось на афише к "Медее". Браслет и кольцо шокируют своей натуралистичностью (свернувшиеся кольцом змеи), которую до определенной степени сглаживает экзотика материалов - опалов, рубинов, бриллиантов и эмали.
Украшения на театральных афишах Мухи представляли собой утонченную историческую стилизацию в духе подлинных артефактов Средневековья: широкий декоративный пояс, рельефная орденская цепь и богато орнаментированное оружие ("Лорензаччо", "Гамлет"
. Разработка сценографии спектаклей потребовала от художника изучения исторического и фольклорного материала. И вот театральные украшения и аксессуары появились на рекламных плакатах и декоративных панно в качестве необходимых декоративных элементов.
Образы эффектно подчеркивали самые невероятные драгоценные предметы. Украшения для волос, отдаленно напоминающие диадемы, сложные многоярусные ожерелья, пояса-шателены с подвесками, застежки-аграфы и пластины, плавно переходящие в платье ("Брюнетка", "Зодиак" и др.). Сценические украшения, нарисованные воображением художника, определили также тематику серии декоративных панно ("Драгоценные камни".
Оригинальные рисунки Мухи пришлись по душе ювелиру. Надо заметить, что Фуке наступали на пятки не менее именитые ювелиры Р. Лалик и А. Вевер. Последний заказывал эскизы рисовальщику Э. Грассе, - тут-то и подвернулась со своими советами Сара Бернар, и Жорж Фуке нанял Муху в качестве рисовальщика.
И что же?.. Необычные проекты Мухи смутили критиков и вызвали упреки в недостатке связи с текущей модой. Украшения, выполненные Фуке, действительно громоздки и несколько эклектичны, как, например, предназначенная для Сары Бернар, брошь для корсажа отягощенная гроздьями маленьких камешков неправильной формы. Если на афишах эти украшения выглядели убедительно, - как и абсолютно все изображения украшений, сделанные Мухой, - то при воплощении оказались чем-то спорным. Однако мнение это, конечно же, разделили не все. И вот тому подтверждение: серии украшений, выполненные по эскизам Мухи, обеспечили успех Фуке на ряде Всемирных выставок, покорив публику своей новизной.
В 1902 году Муха издал альбом «Декоративные документы» (Documents decoratifs), включивший коллекцию из 72 работ в карандаше оттенённым белым, эскизы Ар Нуово для дизайнеров в области искусств и ремесел.
Портфолио также содержит разнообразие орнаментальных и натуралистических цветочных украшений, этюдов женской головы и обнаженной натуры. В этих работах илюстративный натурализм, обрамлен абстрактными узорами.
Рисунки для ювелирных украшений, мебели, столовых приборов, других предметов обихода того периода, указывают на то что цель Мухи в создании этих работ была двоякой.
С одной стороны он каталогизировал огромный опыт работы в декоративной области, опыт который вышел за рамки двухмерного пространства в трехмерное, как это показано в его работе для парижской международной выставки 1900 года и величественный позолоченный интерьер бутика Fouquet (к нему мы вернемся).
С другой стороны его целью было выразить безусловное визуальное утверждение Арт Нуво.
Даже принимая во внимание тот факт, что в это продвинутое время эра Art Nouveau уходила в забвение, нужно отдать должное искусному стилю исполнения Мухи и его способности создавать унифицированный стиль, трансформируя материальный мир в элегические и идеализированные формы.
Альфонс Муха проявил себя не только как замечательный плакатист, не менее известны его ювелирные украшения, книжные иллюстрации и скульптура. Его признали не только в Европе, но и в США, где, уже будучи знаменитым, художник преподавал и работал несколько лет.
Завершил свой путь всемирно признанный мэтр на родине. Здесь в 45-летнем возрасте он женился на своей ученице Марушке Хитиловой, которой тогда было 26 лет. Последние годы жизни художник посвящает созданию монументального цикла из двадцати полотен – «Славянского эпоса», на сюжеты славянской мифологии, в которых открылись новые грани его разностороннего дарования. Однако монументальная живопись Альфонса Мухи не привлекла того внимания, которое вызвали плакаты и панно, созданные в конце прошлого столетия.
К 1890-м годам мода перестала быть привилегией высших классов. Благодаря модным журналам широкая публика имела возможность познакомиться с самыми последними ее тенденциями, рождавшимися в мире богемы и в модельных домах Парижа, которые, как и поэты того времени, создавали культ «инфернальной» женщины, капризной и томной, чувственной и экзотической. В соответствии со вкусами той эпохи силуэт женщины приобрел змеевидные контуры и стал напоминать латинскую букву S. Наиболее активно стиль модерн вторгался в оформление вечерних нарядов, необычайно эффектных из-за асимметрии и манерно изогнутых линий.
Новый костюм требовал соответствующих аксессуаров, и прежде всего украшений нового типа. Появились оригинальные виды колье - ожерелья с жемчужной или бриллиантовой «бахромой», хорошо сочетавшиеся с мысообразными декольте; широкие ошейники, обильно украшенные камнями; тонкие обручи с камнем на длинном стержне, спускавшемся на грудь; поразительной красоты гребни, декорированные золотом и камнями. Но и традиционные виды украшений приобрели новые оригинальные черты.
В эпоху модерна на первый план в ювелирном деле вышел не мастер-ремесленник, изготавливавший похожие друг на друга «коммерческие драгоценности», а ювелир, создававший индивидуальные и по-настоящему художественные украшения, которые обладали новой образностью, отражавшей дух времени. Благодаря таланту авторов таких украшений ювелирное искусство, наряду с архитектурой и художественным стеклом, вышло на авансцену развития искусства, во многом определив декоративные особенности нового стиля.
На первоначальном этапе в образном строе ювелирных украшений, так же как и в искусстве модерна в целом, яркое развитие получило флоральное направление (от французского слова floral - цветочный), которое в наибольшей степени отвечало художественным устремлениям того времени. В основе его лежала трансформация мотивов, рожденных природой, причем если для эпохи историзма было характерно натуралистическое изображение цветов и насекомых, то мастера стиля модерн трактовали их как своеобразные знаки, несущие в себе нервную символику рубежа веков.
В орнаментальном декоре флорального направления модерна нашел отражение волшебный и поэтичный мир растений и животных: изумрудные ящерицы и змеи, пестрокрылые стрекозы и бабочки, величавые подсолнухи и камыши, роскошные орхидеи, элегантные ирисы, нежные ландыши, эффектные цикламены и особенно много любимых поэтами «серебряного века» лилий.
Своего рода отличительным знаком орнаментального декора модерна стал мотив изгибающегося в воздухе бича, который получил название «удар бича». Среди излюбленных мотивов художников-ювелиров были также морская волна, лебединая шея, томные женские головки или фигуры с распущенными волосами и извивающимися руками в «летящих» рукавах.
В ювелирных украшениях своеобразная изощренность флорального направления модерна проявлялась также в плавной текучести асимметричных форм с изысканными, отточенными очертаниями, в прихотливой изощренности композиционных построении и и почти мистическом колорите вещей, который возникал от сочетания мерцающих как старинные витражи, эмалей и зеленых, лиловых, голубых, белых, красных камней. В украшениях много жемчуга, опалов, рубинов, демантоидов, аметистов, алмазов, хризопразов, перламутра, при этом выбор камней определялся не их стоимостью, а декоративными качествами и цветом.
Работы ювелиров модерна были столь прекрасны, что, возможно, впервые публика увидела в украшениях не просто драгоценный аксессуар костюма, а подлинное произведение искусства. В 1890-е годы во Франции даже амбициозные представители «высокого искусства» изменили свое отношение к творчеству ювелиров: их произведения начали допускать на выставки Национального общества изящных искусств, в Обществе французских художников открылась секция прикладного искусства, устраивались персональные выставки художников-ювелиров, их изделия стали публиковаться в журналах, закупаться музеями. Искусство ювелиров модерна получило всеобщее признание на Всемирной выставке, проходившей в Париже в 1900 году.
Стиль модерн вполне исчерпал себя к началу первой мировой войны. В 10-х и 20-х гг. над модерном издевались авангардисты всех мастей. Затем о модерне просто забыли, было забыто и богатейшее наследие Альфонса Мухи. Трагически завершилась его жизнь: в 1939 г. Прага была оккупирована фашистами, гестапо одним из первых арестовало Альфонса Муху. 79-летнего старика подвергли допросам, на которых он простудился и, хотя вскоре был отпущен на свободу, быстро скончался от воспаления легких.
К началу XX века флоральное течение модерна достигло апогея своего развития. И хотя отдельные проявления этого стиля встречались вплоть до 1914 года, формы изделий стали менее изощренными, а волнистые линии заменил геометризированный декор. На смену флоральному течению модерна пришло геометрическое, однако оно проявилось в ювелирных украшениях не столь ярко и выразительно. В архитектуре и произведениях декоративно-прикладного искусства позднего модерна уже прослеживались черты конструктивизма.
Хронологические рамки эпохи модерна очень узки, немногим более двух десятилетий, но значение этого стиля для развития ювелирного искусства необычайно велико. Соединив традиции Запада и Востока, античности и средневековья, аристократического и фольклорного искусства, обобщив опыт всего предыдущего художественного развития, художники-ювелиры эпохи модерна создали яркое самобытное искусство.
URL записи. спасибо МаникИскусство этого стиля существовало с середины XIX столетия по начало Первой Мировой. Время Арт Нуво текло параллельно Викторианской, а в последствии, и Эдвардианской эпохам. Но текло оно быстрее, след оставило, может быть, даже более заметный, а уж с точки зрения ювелирного искусства - явилось прообразом всех самых прогрессивных современных течений.
очень много модерна!
Датой рождения стиля арт нуво принято считать 1880 год. В переводе с французского Art Nouveau – новое искусство. Сам же термин происходит от названия парижского магазина-музея “Maison Bing, L’Art Nouveau” (владелец Самуэль Бинг).
Следует отметить, что возникший в Париже стиль Art Nouveau быстро распространился по всей Европе. Но в этом случае (т.е. применительно ко всем странам) мы уже говорим о стиле модерн.
«Модерн», стиль «модерн» (франц. moderne — новейший, современный), одно из названий стилевого направления в европейском и американском искусстве конца 19 — начала 20 вв.
В Бельгии, Великобритании и США оно известно как «новое искусство» (Art Nouveau), в Германии — «югендстиль» (Jugendstil), в Австрии — «стиль Сецессиона» (Sezessionstil), в Италии — «стиль Либерти» («stile Liberty»), в Испании — «модернизм» (modernismo).
Новый стиль стал последним воплощением идеалов романтизма в художественном творчестве. Модерн, проникший почти во все сферы искусства в последнее десятилетие ХIХ в., очень быстро распространился по всей Европе и, перемахнув через океан, нашел приверженцев в Соединенных Штатах.
Модерн возник в условиях кризиса буржуазной культуры как один из видов неоромантического протеста против антиэстетичности буржуазного образа жизни, как реакция на господство позитивизма и прагматизма. Эстетика Модерна развивала идеи символизма и эстетизма, «философии жизни» Ф. Ницше.
Модерн, по мысли ряда его теоретиков (бельгиец Х. К. ван де Велде, опиравшийся на социалистические утопии У. Морриса, должен был стать стилем жизни нового, формирующегося под его воздействием общества, создать вокруг человека цельную эстетически насыщенную пространственную и предметную среду, выразить духовное содержание эпохи с помощью синтеза искусств, новых, нетрадиционных форм и приёмов, современных материалов и конструкций.
Наиболее последовательно Модерн осуществил свои принципы в узкой сфере создания богатых индивидуальных жилищ. Но в духе Модерн, стремившегося стать универсальным стилем своего времени, строились и многочисленные деловые, промышленные и торговые здания, вокзалы, театры, мосты, доходные дома.
Модерн пытался преодолеть характерное для буржуазной культуры 19 в. противоречие между художественными и утилитарным началами, придать эстетический смысл новым функциям и конструктивным системам, приобщить к искусству все сферы жизни и сделать человека частицей художественного целого. Стремление изменить искусством мир в рамках капиталистического общества было глубоко утопичным. Практически же Модерн явился первым относительно цельным стилем художественного оформления различных сфер буржуазного быта.
Основным средством выражения в стиле Модерн является орнамент, который не только украшает произведение, но и формирует его композиционную структуру. В интерьерах бельгийских архитекторов изящные линейные плетения, подвижные растительные узоры рассыпаны по стенам, полу и потолку, концентрируются в местах их сопряжения, объединяют архитектурные плоскости, активизируют пространство. Бесконечно текущие, то плавно, то взволнованно извивающиеся, чувственно-сочные линии декора несут духовно-эмоциональный и символический смысл, сочетая изобразительное с отвлечённым, живое с неживым, одухотворённое с вещным.
Стиль Арт Нуво явился художественным протестом против устоявшихся правил игры и способов художественного осмысления таковых. Ни социальное самосознание викторианцев, не гедонизм эдвардианцев не казались адептам Арт Нуво сколь-нибудь эстетичными. Любые проявления классицизма, в любом случае, апеллировали к тем или иным канонам, для художника Арт Нуво единственной инстанцией для апелляций явилась душа человека, его эмоции и желания, подчас скрытые, и весьма неоднозначные
Понятно, что такое искусство не могло стать мэйнстримом в обществе, где определяющей моральной доминантой была чопорная сдержанность, а значит, на первых порах, художникам Арт Нуво не светила работа с дорогим материалом и запредельно богатыми заказчиками. Украшения этого стиля не претендовали на титул статусных аксессуаров, а были призваны служить выражением чувственной натуры носителя или дарителя. Соответственно, дорогие камни первого ряда были ювелирам, скорее всего, недоступны, но, главное, не нужны. Формализм бриллиантов, их монохромная прямота с точки зрения Арт Нуво проигрывала богатству красок опалов, лунного камня, халцедона, турмалина, аметиста, аквамарина, топаза, зеленых гранатов. Бриллианты использовались, но лишь в качестве декоративного элемента.
Появлялись новые, возрождались старые техники нанесения эмалей:
"Клуазоне" (Cloisonne - перегородчатая эмаль, ячейки заполнялись эмалями разного цвета)
"Шамплеве" (Champleve - небольшие углубления в метале заполняли эмалью)
"Плик-а-жур" (Plique-A-Jour - золотые полости заполняли прозрачной эмалью для достижения эффекта подкрашенного стекла)
"Эмаль гильоше" (Guillocher - эмаль наносили на специально гравированную поверхность)
"Пат-де-верр" (Pate-De-Verre - расплавленное матовое стекло заливали в сложные формы), витражная эмаль и многие другие.
Ювелиры стремились к работе с насыщенными яркими цветами, подражая художникам. Вспомните картины М. А. Врубеля и П. Гогена: очень сочные цвета анилиновых оттенков становятся значимы не менее чем выписанные ими образы. Идея украшения стала ценится больше чем материал, из которого оно изготовлено. Можно говорить, что эпоха Арт Нуво - начало эры Дизайна - времени, когда идея дороже золота и авторское украшение ценится в разы, а то и на порядки дороже серийного изделия.
Главным героем, а вернее, героиней нового направления в изобразительном искусстве стала женщина. Длинные, волнообразно ниспадающие волосы, плавные и мягкие линии женского тела особенно хорошо отвечали стилистическим пристрастиям модерна. На полотнах художников нового направления женщина появляется гораздо чаще, чем мужчина. Да и весь характер стиля – женский: в нем ясно чувствуется желание нравиться. Здесь стремление к внешней красивости дополняется склонностью к самолюбованию и изрядной долей кокетства. Не случайно одно из многочисленных прозвищ модерна – стиль женщин и цветов.
Эту женственность искусства конца века, пожалуй, лучше других сумел выразить в своем творчестве чех Альфонс Муха. Родился он в 1860 г. в моравском городке Иванчице и на исходе столетия добился громкой славы в столице мирового искусства Париже. Во Франции художника называли Мюша. Но прежде чем добиться триумфа и позволить себе превратить мастерскую в музей драгоценных вещей и раритетов, ему пришлось испытать все тяготы и невзгоды жизни безвестных, непризнанных художников, которых в Париже всегда было в избытке.
Возможность стать профессиональным художником появилась у Альфонса Мухи только в 25 лет, хотя рисовать он начал чуть ли не в младенчестве, притом левой рукой. Учился он сначала в Мюнхене, а затем в Париже. Здесь ему не сразу, но повезло – он устроился работать в театр божественной, как ее тогда величали, Сары Бернар. С 1894 по 1901 гг. Альфонс Муха писал для спектаклей ее театра декорации и плакаты.
Первой работой, моментально прославившей имя чешского художника, была афиша к спектаклю театра Сары Бернар «Жисмонда», появившаяся утром 1 января 1895 г. на плакатных щитах Парижа. Уже в ней вполне определяется характер многих последующих плакатов, календарей и декоративных панно Альфонса Мухи.
Вслед за «Жисмондой» появились другие, не менее удачные плакаты, они время от времени переиздавались, а потом были выпущены в виде почтовых открыток. Заказы сыпались на художника как из рога изобилия.
Альфонс Муха не был ювелиром. Все началось с тех же афиш Сары Бернар, где часто присутствовали необычные ювелирные украшения. Для их создания Муха изучал историю и фольклор. И лишь потом Муха начал разрабатывать эскизы украшений на заказ. Эта необычная ювелирка и была выполнена в материале известным парижским ювелиром Жоржем Фуке.
Сотрудничество между художником и ювелиром началось в 1898 году или около того. На Всемирной выставке 1900 года в Париже Фуке показал ювелирную коллекцию Мухи, наделавшую много шума. Действительно, коллекция состояла из фантастических театральных предметов, которые были составлены из большого числа компонентов и соединяли множество техник и материалов.
Как и украшения, изображенные на графических работах Мухи, которые теперь превратились в модели для реальных вещей, воспроизведенные предметы в большинстве своем были необыкновенно восточными и византийскими одновременно. В своей утонченной роскоши эти сокровища соперничали с современным живописным ювелирным искусством, вдохновленным символизмом, таким, как искусство Рене Лалика. С тем, чтобы привлечь более широкую клиентуру, в последующих произведениях Муха отбросил орнаментальную избыточность в пользу большей строгости.
Самое известное украшение, созданное Фуке по эскизам Мухи - это золотой браслет, получивший в Европе название «роза руки». Украшение было изготовлено в 1899 году для Сары Бернар, игравшей роль Клеопатры. Невиданный ранее в Европе браслет свернувшейся кольцом змеей обвивал предплечье, жало переходило в кольцо с помощью тонкой цепочки. Впервые его изображение появилось на афише к "Медее". Браслет и кольцо шокируют своей натуралистичностью (свернувшиеся кольцом змеи), которую до определенной степени сглаживает экзотика материалов - опалов, рубинов, бриллиантов и эмали.
Украшения на театральных афишах Мухи представляли собой утонченную историческую стилизацию в духе подлинных артефактов Средневековья: широкий декоративный пояс, рельефная орденская цепь и богато орнаментированное оружие ("Лорензаччо", "Гамлет"
. Разработка сценографии спектаклей потребовала от художника изучения исторического и фольклорного материала. И вот театральные украшения и аксессуары появились на рекламных плакатах и декоративных панно в качестве необходимых декоративных элементов.Образы эффектно подчеркивали самые невероятные драгоценные предметы. Украшения для волос, отдаленно напоминающие диадемы, сложные многоярусные ожерелья, пояса-шателены с подвесками, застежки-аграфы и пластины, плавно переходящие в платье ("Брюнетка", "Зодиак" и др.). Сценические украшения, нарисованные воображением художника, определили также тематику серии декоративных панно ("Драгоценные камни"
.Оригинальные рисунки Мухи пришлись по душе ювелиру. Надо заметить, что Фуке наступали на пятки не менее именитые ювелиры Р. Лалик и А. Вевер. Последний заказывал эскизы рисовальщику Э. Грассе, - тут-то и подвернулась со своими советами Сара Бернар, и Жорж Фуке нанял Муху в качестве рисовальщика.
И что же?.. Необычные проекты Мухи смутили критиков и вызвали упреки в недостатке связи с текущей модой. Украшения, выполненные Фуке, действительно громоздки и несколько эклектичны, как, например, предназначенная для Сары Бернар, брошь для корсажа отягощенная гроздьями маленьких камешков неправильной формы. Если на афишах эти украшения выглядели убедительно, - как и абсолютно все изображения украшений, сделанные Мухой, - то при воплощении оказались чем-то спорным. Однако мнение это, конечно же, разделили не все. И вот тому подтверждение: серии украшений, выполненные по эскизам Мухи, обеспечили успех Фуке на ряде Всемирных выставок, покорив публику своей новизной.
В 1902 году Муха издал альбом «Декоративные документы» (Documents decoratifs), включивший коллекцию из 72 работ в карандаше оттенённым белым, эскизы Ар Нуово для дизайнеров в области искусств и ремесел.
Портфолио также содержит разнообразие орнаментальных и натуралистических цветочных украшений, этюдов женской головы и обнаженной натуры. В этих работах илюстративный натурализм, обрамлен абстрактными узорами.
Рисунки для ювелирных украшений, мебели, столовых приборов, других предметов обихода того периода, указывают на то что цель Мухи в создании этих работ была двоякой.
С одной стороны он каталогизировал огромный опыт работы в декоративной области, опыт который вышел за рамки двухмерного пространства в трехмерное, как это показано в его работе для парижской международной выставки 1900 года и величественный позолоченный интерьер бутика Fouquet (к нему мы вернемся).
С другой стороны его целью было выразить безусловное визуальное утверждение Арт Нуво.
Даже принимая во внимание тот факт, что в это продвинутое время эра Art Nouveau уходила в забвение, нужно отдать должное искусному стилю исполнения Мухи и его способности создавать унифицированный стиль, трансформируя материальный мир в элегические и идеализированные формы.
Альфонс Муха проявил себя не только как замечательный плакатист, не менее известны его ювелирные украшения, книжные иллюстрации и скульптура. Его признали не только в Европе, но и в США, где, уже будучи знаменитым, художник преподавал и работал несколько лет.
Завершил свой путь всемирно признанный мэтр на родине. Здесь в 45-летнем возрасте он женился на своей ученице Марушке Хитиловой, которой тогда было 26 лет. Последние годы жизни художник посвящает созданию монументального цикла из двадцати полотен – «Славянского эпоса», на сюжеты славянской мифологии, в которых открылись новые грани его разностороннего дарования. Однако монументальная живопись Альфонса Мухи не привлекла того внимания, которое вызвали плакаты и панно, созданные в конце прошлого столетия.
К 1890-м годам мода перестала быть привилегией высших классов. Благодаря модным журналам широкая публика имела возможность познакомиться с самыми последними ее тенденциями, рождавшимися в мире богемы и в модельных домах Парижа, которые, как и поэты того времени, создавали культ «инфернальной» женщины, капризной и томной, чувственной и экзотической. В соответствии со вкусами той эпохи силуэт женщины приобрел змеевидные контуры и стал напоминать латинскую букву S. Наиболее активно стиль модерн вторгался в оформление вечерних нарядов, необычайно эффектных из-за асимметрии и манерно изогнутых линий.
Новый костюм требовал соответствующих аксессуаров, и прежде всего украшений нового типа. Появились оригинальные виды колье - ожерелья с жемчужной или бриллиантовой «бахромой», хорошо сочетавшиеся с мысообразными декольте; широкие ошейники, обильно украшенные камнями; тонкие обручи с камнем на длинном стержне, спускавшемся на грудь; поразительной красоты гребни, декорированные золотом и камнями. Но и традиционные виды украшений приобрели новые оригинальные черты.
В эпоху модерна на первый план в ювелирном деле вышел не мастер-ремесленник, изготавливавший похожие друг на друга «коммерческие драгоценности», а ювелир, создававший индивидуальные и по-настоящему художественные украшения, которые обладали новой образностью, отражавшей дух времени. Благодаря таланту авторов таких украшений ювелирное искусство, наряду с архитектурой и художественным стеклом, вышло на авансцену развития искусства, во многом определив декоративные особенности нового стиля.
На первоначальном этапе в образном строе ювелирных украшений, так же как и в искусстве модерна в целом, яркое развитие получило флоральное направление (от французского слова floral - цветочный), которое в наибольшей степени отвечало художественным устремлениям того времени. В основе его лежала трансформация мотивов, рожденных природой, причем если для эпохи историзма было характерно натуралистическое изображение цветов и насекомых, то мастера стиля модерн трактовали их как своеобразные знаки, несущие в себе нервную символику рубежа веков.
В орнаментальном декоре флорального направления модерна нашел отражение волшебный и поэтичный мир растений и животных: изумрудные ящерицы и змеи, пестрокрылые стрекозы и бабочки, величавые подсолнухи и камыши, роскошные орхидеи, элегантные ирисы, нежные ландыши, эффектные цикламены и особенно много любимых поэтами «серебряного века» лилий.
Своего рода отличительным знаком орнаментального декора модерна стал мотив изгибающегося в воздухе бича, который получил название «удар бича». Среди излюбленных мотивов художников-ювелиров были также морская волна, лебединая шея, томные женские головки или фигуры с распущенными волосами и извивающимися руками в «летящих» рукавах.
В ювелирных украшениях своеобразная изощренность флорального направления модерна проявлялась также в плавной текучести асимметричных форм с изысканными, отточенными очертаниями, в прихотливой изощренности композиционных построении и и почти мистическом колорите вещей, который возникал от сочетания мерцающих как старинные витражи, эмалей и зеленых, лиловых, голубых, белых, красных камней. В украшениях много жемчуга, опалов, рубинов, демантоидов, аметистов, алмазов, хризопразов, перламутра, при этом выбор камней определялся не их стоимостью, а декоративными качествами и цветом.
Работы ювелиров модерна были столь прекрасны, что, возможно, впервые публика увидела в украшениях не просто драгоценный аксессуар костюма, а подлинное произведение искусства. В 1890-е годы во Франции даже амбициозные представители «высокого искусства» изменили свое отношение к творчеству ювелиров: их произведения начали допускать на выставки Национального общества изящных искусств, в Обществе французских художников открылась секция прикладного искусства, устраивались персональные выставки художников-ювелиров, их изделия стали публиковаться в журналах, закупаться музеями. Искусство ювелиров модерна получило всеобщее признание на Всемирной выставке, проходившей в Париже в 1900 году.
Стиль модерн вполне исчерпал себя к началу первой мировой войны. В 10-х и 20-х гг. над модерном издевались авангардисты всех мастей. Затем о модерне просто забыли, было забыто и богатейшее наследие Альфонса Мухи. Трагически завершилась его жизнь: в 1939 г. Прага была оккупирована фашистами, гестапо одним из первых арестовало Альфонса Муху. 79-летнего старика подвергли допросам, на которых он простудился и, хотя вскоре был отпущен на свободу, быстро скончался от воспаления легких.
К началу XX века флоральное течение модерна достигло апогея своего развития. И хотя отдельные проявления этого стиля встречались вплоть до 1914 года, формы изделий стали менее изощренными, а волнистые линии заменил геометризированный декор. На смену флоральному течению модерна пришло геометрическое, однако оно проявилось в ювелирных украшениях не столь ярко и выразительно. В архитектуре и произведениях декоративно-прикладного искусства позднего модерна уже прослеживались черты конструктивизма.
Хронологические рамки эпохи модерна очень узки, немногим более двух десятилетий, но значение этого стиля для развития ювелирного искусства необычайно велико. Соединив традиции Запада и Востока, античности и средневековья, аристократического и фольклорного искусства, обобщив опыт всего предыдущего художественного развития, художники-ювелиры эпохи модерна создали яркое самобытное искусство.
@темы: ссылки, Красота, для памяти